Noch 2009 wurde Adele bei den selben Awards zur Newcomerin des Jahres gekürt. Nur drei Jahre später kehrt sie jetzt zurück ans Laudatiopult – und das gleich geschlagene sechs mal an einem Abend. Mit Ihrem Album „21“, räumte sie bei der Verleihung nicht nur die heiß umkämpftesten Preise ab, sondern stellte auch mit ca. 3,4 Mio. verkauften Exemplaren in England einen neuen Rekord für das 21. Jahrhundert auf. Verdient hat sie sich ihren großen Abend in Los Angeles also auf jeden Fall.

Bedrückte Grammy Verleihung mit Hoffnung – Eine Popdiva geht und macht neuen Platz für Adele

Wie viele andere Nominierte erschien Adele zur Preisverleihung in Andenken an Whitney Houston, ganz in schwarz. An dem insgesamt bewegenden Abend kamen der 23-jährigen Sängerin nach ihrer Perfomance von „Someone like you“ sogar beinahe die Tränen. Vielleicht war es jedoch auch an der Zeit, dass die Welt einen neuen Popstar bekam. Schließlich war erst im letzten Jahr Amy Whinehouse verstorben und hinterließ einen freien Platz in den Musikcharts. Und auch Whitney Houston lies leider schon lange vor ihrem Tod, nichts mehr von ihrer tollen Stimme hören.

Kanye West bei der Grammy Verleihung vier mal ausgezeichnet

Als einer der beliebtesten und erfolgreichsten Rapper wurde selbstverständlich auch Kanye West mehrfach nominiert. Wie von vielen erwartet, entschied er dabei sämtliche Auszeichnungen in der Kategorie HipHop, sowohl als Künstler, als auch als Songwriter für sich. Sein Erfolg erklärt sich unter anderem möglicherweise damit, dass er sich für viele seiner Songs Unterstützung von anderen bekannten Künstlern holte, wie bei seinem Feature mit Rihanna „All of the lights“.

Die Tatsache jedoch, dass Adele die Charts auf eigene Faust mit ihrem Debütalbum eroberte, macht ihren Erfolg, verglichen mit Kanye West, fast noch ein Stück beachtlicher.

Eine gut gefüllte Tanzfläche ist zunächst nichts ungewöhnliches, doch bei einer Silent Disco fällt etwa sofort ins Auge: Jeder Gast trägt einen Kopfhörer und es scheint fast so, als würde jeder in seiner eigenen Welt zu seinem eigenen Rhythmus tanzen. Doch wer sich selbst auch auf die Tanzfläche begibt, der wird schnell merken, dass dem tatsächlich so ist und man wirklich in eine andere Welt abdriftet. Beliebt sind Silent Discos mittlerweile besonders auf Festivals, da so auch noch nach der Sperrstunde munter weitergefeiert werden kann.

Wie genau läuft eine Silent Disco ab?

Bei einer Silent Disco Veranstaltung geben die Besucher an der Garderobe ihre Jacken ab und erhalten dafür einen Drahtloskopfhörer über den sie später die Musik wahrnehmen werden. Nach dem Aufsetzen können sie zwischen verschiedenen Musikkanälen wählen, jenachdem nach welchem Musikstil ihnen der Sinn steht. Die Musik selbst wird dabei wie in einer normalen Disco auch von DJ’s aufgelegt, die sich in einer Ecke des Raums befinden.

Auf diese Weise kommen Menschen mit unterschiedlichen Musikgeschmäckern auf einer Tanzfläche zusammen. So ist man zwar akustisch abgeschottet, aber nicht mehr von einem DJ abhängig, sodass sich bei der Abendplanung nicht alle in der Gruppe auf einen bestimmten Musikstil und Club einigen müssen.

Wem zwischendurch der Sinn nach einer Unterhaltung steht, braucht nur die Kopfhörer abnehmen und kann in einer angenehmen Chillout-Atmosphäre nach Herzenslust quatschen ohne sich dabei anzuschreien oder in der Kälte vor dem Club ausharren zu müssen.

Mit Kopfhörern stellt sich eine ganz andere Wahrnehmung der Umgebung ein

Das besondere Erlebnis in einer Silent Disco ist die veränderte Wahrnehmung, die sich bereits nach kurzer Zeit einstellt. Normalerweise bewegt sich die Masse auf dem Dancefloor gleichmäßig im Takt, abgesehen von ein paar Ausnahmen, die kein Gespür für den richtigen Rhythmus besitzen.

Wenn jedoch jeder zu seiner eigenen Musik tanzt entsteht auf der Party schnell der Eindruck eines wilden Durcheinanders. Aus diesem Grund beginnt man rasch damit die anderen Menschen beim Tanzen zu beobachten um herauszufinden, ob sich diese im gleichen Takt bewegen wie man selbst. So bilden sich überall auf der Tanzfläche kleine Inseln in denen die Gäste den gleichen Kanal ausgewählt haben. Auf diese Weise lernt man vielleicht noch etwas mehr auf die Körpersprache seiner Mitmenschen zu achten.

Und noch etwas fällt bei einer Silent Disco auf: Die Musik dringt nur über den Kopf in den Körper und nicht auch noch zusätzlich über die Vibrationen der Bässe. Und auch wenn dieser Ratschlag zu den wohl am meisten ausgesprochenen Gesundheitstipps für das Ohr gehört: Wer sich am nächsten Tag nicht über ein Taubheitsgefühl ärgern will, der sollte seine Kopfhörer nicht auf volle Lautstärke aufdrehen. Ein weiterer Pluspunkt für die Silent Disco, da man auf die Dezibelzahl in einem normalen Club keinen Einfluss hat.

All diejenigen die nun neugierig geworden sind und dieses Gefühl in einer eigenen Welt zu tanzen selbst einmal ausprobieren möchten, denen sei das SODA in der Berliner Kulturbrauerei ans Herz gelegt, denn hier haben die Kopfhörer-Veranstaltungen mittlerweile einen festen Platz im Programm gefunden.

Bereits als Kind lauschte Jacob Korn, bedingt durch seine Eltern, den Klängen von „Kraftwerk“. Somit war eigentlich schon klar, dass ihn später einmal die Techno- und Housebewegung der 90er Jahre mitreißen würde. Doch das alleinige Konsumieren der Musik reichte ihm bald nicht mehr aus, sodass er recht schnell an seinen eigenen Tracks bastelte.

Als dann kürzlich darüber informiert wurde, dass er mit dem Förderpreis der Stadt Dresden ausgezeichnet werden soll, wusste er zunächst laut eigener Aussage nicht wofür. Doch die 5.000 Euro Preisgeld weiß er bereits zu verwenden. Korn plant, und wie sollte es auch anders sein, das gesamte Geld in sein Studio zu investieren. Doch dort ist es gut angelegt, hat er schließlich mittlerweile sein Hobby zum Beruf gemacht.

Jacob Korn betreibt ein eigenes Plattenlabel und produziert nebenbei seine eigenen Musik

Die Klänge die er seinem Computer entlockt lassen sich zwar keiner genauen Stilrichtung zuordnen, doch trägt jedes Stück irgendwie immer seine eigene Handschrift. Es spielt keine Rolle, ob der Track Techno und Hip Hop vereint oder aber ein reiner Minimal-Song ist, das Stück lässt sich immer dem Künstler Jacob Korn zuordnen. Doch dadurch klingen seine Songs nicht alle gleich und werden auch nicht langweilig, sondern sind stets erfrischend.

Mittlerweile betreibt der Musiker in Dresden ein eigenes Plattenlabel namens „Uncanny Valley“, das hauptsächlich Künstler aus der lokalen House- und Techno-Szene unter Vertrag hat und sich damit langsam auch international einen Namen macht. Hauptsächlich produziert Korn dort aber seine eigene Musik, die er anschließend live in den Klubs vorstellt.

Heute investiert er zudem viel Zeit in die Leitung von Workshops

Nebenbei wird er aber auch immer öfter engagiert um die Leitung von Workshops für Medien- und Performance-Künstler zu übernehmen. Zuletzt war in Japan unterwegs, wo er im Auftrag des Goethe Instituts lehrte.

Zunächst sch Korn dennoch wieder ein wenig mehr seinen eigenen Stücken widmen. In den nächsten Wochen wird er daher sein Talent wieder einmal mit zahlreichen live-sets in Leipzig, Dresden, Berlin und Frankfurt unter Beweis stellen. Die genauen Termine und Locations können seiner Homepage entnommen werden.

Natürlich kann man auf Post-Its setzen – empfehlenswerter ist allerdings, wenn man informative Flyer drucken lässt: möglichst kostengünstig – die Stückzahl sollte jedoch keinesfalls zu knapp kalkuliert werden. Natürlich muss auch ein knackiges, ansprechendes Design her. Die Frage ist natürlich auch, wofür geworben werden soll.

Soll es das eigene erste Album sein? Oder doch eher ein größeres Festival in einer gemieteten Location?

Professionelle Flyer drucken

Wer Werbemittel professionell herstellen lassen will, hat mittlerweile die Wahl unter vielen Anbietern im Bereich Online-Druckerei. Sie sind preislich meist sehr günstig, die Aufträge werden schnell abgewickelt. Ein weiterer Vorteil bei einer Online-Druckerei ist, dass man sich gleich online und in aller Ruhe verschiedene Kostenvarianten ausrechnen kann. Hier entscheidet man dann auch, welches Format und welches Papier man bevorzugt – kurz: die Ausstattung wird festgelegt.

Auflage und Kostenrahmen festlegen

Ausstattung und Auflage ergeben zusammen dann den Kostenrahmen. Flyer sollten möglichst großzügig verteilt werden können. Online-Druckerei bieten meist fixe Pakete an, die bestimmte Stückzahlen beinhalten.

Im Zweifelsfall sollte man sich lieber für die höhere Stückzahl entscheiden, damit die Bewerbung gut funktioniert. Sparen kann man unter Umständen etwa bei der Wahl der Papierstärke. Natürlich hängt die Entscheidung über Stückzahl auch mit dem Plan zusammen, wo man die Werbemittel verteilen möchte – ob nur in der Lieblingsbar oder am liebsten womöglich in der gesamten Clubszene.

In der Online-Druckerei Flyer drucken lassen

Da Druckereien, die ihre Dienste ausschließlich online anbieten sehr eng kalkulieren, kann es natürlich keinen großen persönlichen Service mehr geben. Es ist also wichtig, dass man die Gestaltung des Flyers gut überprüft, denn im Nachhinein Fehler auszubessern ist teuer. Ist man kein Premium-Kunde muss auch im Vorfeld schon bezahlt werden.

Fürs einfache Flyer drucken in großer Stückzahl ist diese Form der Herstellung ein sehr guter und kostengünstiger Weg. – Wer allerdings etwas Besonderes möchte, ist immer noch in niedergelassenen Druckereien besser gestellt, denn hier gibt es die Möglichkeit, ein ganz exklusives Papier auszuwählen oder dem Druckwerk auch mit einer Veredelungstechnik einen eigenen Touch zu geben.

Das „Icon“ war über die Stadtgrenzen Berlins hinaus bekannt und lockte Nachtschwärmer aus aller Welt an. In diesem Club lief man den Trends nicht hinterher, sondern setzte sie. Mit einer Vielfalt an wechselnden Partys, Events und Konzerten boten die Betreiber ihren Gästen ein breites Spektrum an.
Durch Kooperationen mit Partnern wie beispielsweise der Modemesse „Bread & Butter“ oder der internationalen Musikmesse „Popkomm“ konnte sich das „Icon“ in der Berliner Club-Szene fest etablieren. Doch nun musste der Club in der ehemaligen Groterjahn-Brauerei im Prenzlauer Berg für immer schließen.

Ein großer Verlust für die Berliner Club-Szene

Nach der „Bar 25“ und der “Maria” am Ostbahnhof verliert die Stadt mit dem „Icon“ wieder bekannte Größe in der Berliner Clubszene. Zu Silvester stieg im Icon die letzte große Party, bevor der Club nach 15 Jahren für immer die Türen schließen musste.
Der Grund für die Schließung ist hierbei aber nicht etwa eine Beschwerde von Anwohnern, denen es nachts zu laut war, sondern ein nicht verlängerter Mietvertrag.
Die Betreiber des „Icon“ sind ratlos, sie wissen nicht warum der Vermieter den Vertrag nicht rechtzeitig verlängerte. Dieser ist sich hingegen keiner Schuld bewusst, er schickte den Betreibern zwar ein Angebot zur Verlängerung des Mietvertrages, jedoch erst als es längst zu spät war. Die Schließung des Icons war zu diesem Zeitpunkt bereits verkündet. Doch die Fronten waren aufgrund von Unstimmigkeiten über die Details des Mietvertrages schon lange vorher verhärtet. Der Vermieter wirft den Betreibern jetzt sogar vor, sie hätten das Ende des „Icons“ nur inszeniert um die Werbetrommel für ihr neues Projekt, das „Gretchen“, zu rühren. Dieser Vorwurf ist natürlich schwachsinnig, denn das „Gretchen“ wurde von den Betreibern in den offiziellen Erklärungen zur Schließung des „Icons“ niemals erwähnt.

Gretchen – Das neue Icon?

Der neue Club soll und kann das „Icon“ zwar nicht ersetzen, hat aber mindestens genauso viel zu bieten. Das „Gretchen“ wurde bereits im Oktober letzten Jahres in Berlin-Kreuzberg eröffnet und bietet auf zwei Floors alles was den Anhängern von elektronischer Musik das Herz höher schlagen lässt. Denn im „Gretchen“ finden internationale Künstler der Stile Elektro, Dubstep, Glitch, IDM, Avantgarde, House, Experimental, Folk, Jazz, und Bass einen Platz. Damit ist der neue Club auch recht offen für die verschiedensten Stile und bietet neben DJ-Sets auch Live-Konzerte.

Als Gitarrist der Band Ash Ra Tempel komponierte Manuel Göttsching öfter Musikstücke, jedoch verwunderte es ihn, dass er auf Anhieb ein solch in sich stimmiges Werk geschaffen hatte. Er hätte es sich nie träumen lassen, dass das im Jahre 1981 eingespielte Album “E2-E4″, welches ursprünglich gar nicht hätte veröffentlicht werden sollen, einmal solch einen Erfolg haben würde. Doch machte ihn gerade dieses Werk zu einem Pionier der Berliner Elektronik Szene.

Manuel Göttsching – Echte Berliner Schule

Im Jahre 1970 gründete Manuel Göttsching zusammen mit Hartmut Enke und Klaus Schulze die Band Ash Ra Tempel, welche seit 1977 nur noch Ashra heißt. Die Band experimentierte zwar schon früh mit Synthesizern doch lag ihr Schwerpunkt noch immer auf den Gitarren. Stilistisch ist Ashra dennoch der Berliner Schule zuzuordnen, die sich besonders durch lange Musikstücke mit sich wiederholenden Sequenzen auszeichnet.
Göttsching selbst wunderte sich jedoch darüber, dass er an jenem Tag auf Anhieb ein in sich so stimmiges Stück aufgenommen hatte, denn in der Regel gab es immer irgendwo Brüche innerhalb eines Liedes.

Das Album “E2-E4″ wurde zum Meilenstein der elektronischen Musik

Aus einer Laune heraus spielte Manuel Göttsching eigentlich nur vor sich hin, hatte aber glücklicherweise den Aufnahmeknopf gedrückt. Obwohl das Stück fast eine Stunde dauert wird es nicht langweilig. Laut eigener Aussage hat sich Göttsching dazu aber keines Tricks bedient. Das ganze Werk sei nur mithilfe seiner Konzentrationsfähigkeit entstanden.
„E2-E4“ ist offenbar so gut, dass es bereits Ende der 1980er-Jahre als Grundlage für einen Chill Out Techno Song namens „Sueno Latino“ diente. Live konnte Göttsching sein Werk jedoch zunächst nicht vortragen, dazu fehlten einfach die technischen Möglichkeiten. Aber mittlerweile haben sich die technischen Möglichkeiten glücklicherweise so weit entwickelt, dass er das Album noch einmal für eine Live-Version überarbeiten konnte. Im Jahre 2006 war es dann endlich so weit, „E2-E4“ feierte in Japan seine Live-Premiere.

Ein Album im Laden für einen Festpreis verkaufen – das waren noch Zeiten! In den letzten Jahren haben zunächst illegale Tauschbörsen den “Handel” ins Netz verlagert. Zum Glück ist hat die Branche nachgezogen und auch den legalen Handel mit Singles, Alben und nicht zuletzt dem MErchandising ebenfalls hauptsächlich ins Internet bewegt. Und auch, wenn es oftmals (immer noch) heißt, dass im Internet die Musik gestohlen wird, kommen Künstler im Netzzeitalter um einen eigenen Internetauftritt nicht mehr herum.

Verknüpfung mit sozialen Netzwerken

Fans erwarten heutzutage allerdings mehr als nur eine eigene Webseite und einen Youtube-Channel. Sie identifizieren sich mit dem Musiker oder Komponisten und möchten mit ihren Vorbildern in Kontakt treten. Eine persönliche Ebene ist für Fans wichtig und darf nicht vernachlässigt werden.

Der Einsatz von Facebook, Twitter und Co. macht eine direkte Kommunikation möglich und bietet den Fans die Möglichkeit, sich auch untereinander auszutauschen. Auch auf den Musiker-Homepages ist Facebook und Twitter zum Standard geworden, um alle Fans schnell auf dem Laufenden zu halten.

Musik über Facebook und Co. vermarkten

Schon lange haben sich die sozialen Netzwerke zu einer Marktplattform entwickelt und bieten Interpreten und Komponisten die Möglichkeit, Werbung für sich und die eigenen Produkte zu machen. Interessenten bekommen zielgerichtet Produkte angeboten. Zukünftig werden wohl also auch immer mehr Musiker auf den Facebook-Zug aufspringen und Produkte anpreisen oder die neusten Events oder Festivals vorstellen.

Einige soziale Netzwerke spielen auch mit dem Gedanken, eine Musikbibliothek für die Nutzer anzubieten, in der Musik gekauft werden kann (Zuletzt wurde ja schon MySpace als reiner Musik-Kanal an Facebook angegliedert).

Live-Streams für Fans und Seminare für Musiker

Außerdem soll die Musik gestreamt werden und wäre somit praktisch überall verfügbar. Allerdings gibt es aufgrund des Urheberrechts dazu einige Themen vorab zu klären, weshalb das derzeit noch nicht möglich ist. Deutlich wird in jedem Fall das sich Musikfans und Musiker und Komponisten immer mehr mit dem Thema Internet beschäftigen.

Bei der Fülle an Internetauftritten und Mitbewerbern ist es allerdings schwer, sich für seine eigenen Fans sichtbar zu machen. Daher werden immer mehr Seminare für Musiker und Komponisten zur Suchmaschinenoptimierung angeboten, um die eigenen Seiten in den Fokus zu rücken. Vor allem kleine Bands ohne Plattenlabel vermarkten sich mit einer eigenen Internetseite und einem Youtube-Channel überwiegend im Internet.

Den meisten ist der Schauspieler William Shatner wohl hauptsächlich als Captain Kirk aus der Serie Raumschiff Enterprise im Gedächtnis verankert. Doch kann der ehemalige Captain viel mehr als nur Kommandos zu erteilen. Neben der Schauspielerei ist Shatner als Werbeikone für eine Online-Reisebörse engagiert. Seine größte Leidenschaft neben dem Schauspielern lebt er aber in der Musik. Bis heute hat er in unterschiedlichen Abständen sieben CD’s veröffentlicht.

Die musikalisch etwas eigenwillige Stil des William Shatner

Typisch für den musikalischen Stil Shattners ist seine einzigartige Gesangsweise, die er selbst als „Spoken Word“ bezeichnet. Oftmals betont er dabei einzelne Wörter etwas überspitzt, weshalb seine Songs vielfach kritisiert und verspottet wurden. So bekam er unter anderem für seine Coverversion von „Lucy In The Sky With Diamonds“ eine Auszeichnung für das schlechteste Beatles-Cover aller Zeiten. Doch ließ sich der Musiker dadurch nicht beirren und machte weiter. Sein jüngstes Werk erschien im Oktober diesen Jahres.

Seine jüngste Weltraummission: Major Tom finden

William Shatners Enterprise ist nun erneut abgehoben, die Mission: „Seeking Major Tom“. Die CD ist Shatners viertes Studioalbum für das er sich hochkarätige Unterstützung mit ins Boot, pardon Raumschiff, geholt hat. Das Album ist als Konzeptalbum angelegt und beihaltet, wie sollte es auch anders sein, eigenständige Neuinterpretationen von 20 Songs mit Weltraumthematik. Als Gaststars sind dort unter anderem Zakk Wylde (Ozzy Osbourne, Black Label Societey) und Ritchie Blackmore (Deep Purple, Blackmore’s Night) und Sheryl Crow vertreten. Unter den Songs sind mit Bohemian Rhapsody von Queen, Space Truckin’ von Deep Purple und Iron Man von Black Sabbath ein paar echte Publikumsfavoriten, die auch in der Coverversion das Zeug zu einem Hit haben.

Die „Gorillaz“, hinter denen Damon Albarn und Jamie Hewlett stecken, haben sich als Antwort auf die Substanzlosigkeit der Musikbranche gegründet. Wer hätte gedacht, dass die Band, die im Guinnessbuch der Rekorde als „erfolgreichste virtuelle Band“ einen Eintrag hat, 10 Jahre bestehen würde?

Ihr unverkennbarer Stil, mit dem sie sich auf keinen speziellen Musikstil festlegen lassen, macht sie in der heutigen Musiklandschaft einzigartig und eigentlich unersetzbar. Mit technischer und musikalischer Innovation und ganz ohne Stilgrenzen, haben die „Gorillaz“ die Musikwelt revolutioniert und dürfen sich nach 10 Jahren ruhig mal auf einem Best-Of Album ausruhen.

10 Jahre „Gorillaz“ – Zeit für ein Best-Of Album

Hinter den Gorillaz stecken als kreative Köpfe, Damon Albarn („Blur“, „The Good the Bad & the Queen“) und Comiczeichner Jamie Hewlett („Tank Girl“). Als die beiden 1999 in ihrer gemeinsamen Wohnung in London abhängen, kommt ihnen die Idee, eine virtuelle Supergroup zu gründen. Der Vorteil dabei ist, dass es keinen Personenhype um sie gibt und sie sich musikalisch besser entfalten können, da sie aus immer wechselndem Personal bestehen. Nach vier Studioalben haben die „Gorillaz“, deren Produktionen bis jetzt so gut waren, dass es kein guter Mp3-Player sein muss, sondern nur gute Kopfhörer, um ein hervorragendes Klangerlebnis zu haben, nun, nachdem sie „The Fall“ (2010) herausgebracht haben, das mit dem iPad aufgenommen und produziert wurde, ein Best-Of Album veröffentlicht.

The Gorillaz: “The Singles Collection: 2001-2011”

Die „Gorillaz“, die aus den vier virtuellen Charakteren „Murdoc“ (aka Hewlett), „2-D“ (Albarn), „Russell“ und „Noodle“ bestehen, haben ihr erstes Best-Of Album mit 15 Tracks herausgebracht. Dieses Best-Of Album führt dem Zuhörer vor Augen, was an der virtuellen Band so besonders ist. Sie legen sich nicht auf einen bestimmten Stil fest, was sie schon mit ihrem ersten selbstbetitelten Album deutlich machten. Auf dem Album „Gorillaz“ fanden sich Tracks wie „Tomorrow come today“, mit Trip Hop Charakter, „Clint Eastwood“ (die erste Single des Albums), eine Mischung aus Hip Hop, Trip Hop und Dub ist oder auch das dubbige „19-2000“, welche jetzt auch auf dem Best-Of zu finden sind.

Trip Hop, Hip-Hop, Drum n Bass, Rock – was will man mehr

Auf dem Best-Of Album finden sich weiterhin Tracks aus dem 2005 erschienen Album “Damon Days”, das im Vergleich zum Vorgänger viel düsterer ausfiel, musikalisch aber nicht weniger innovativ war. Das von „Danger Mouse“ („Gnarls Barkley“) produzierte Album enthält auch wieder eine Mischung aus Dub, Electro und Hip Hop. Die erste Singleauskopplung „Fell Good Inc.“ (Trip Rock, Drum n Bass, Alternative Hip Hop, Funk Rock) wird zum Hit. 2010 kommt das poppigste Album der Band: „Plastic Beach“. Mit Gastmusikern aus verschiedensten Genres kann dem Album aber auch sein Pop-Charakter nichts anhaben. So sind u.a. Snoop Dogg, Mos Def, Lou Reed, Mick Jones und Paul Simonon und andere darauf zu hören.

Das Ende der Band oder ein Neuanfang?

Das Best-Of Album vereint das Beste aus 10 Jahren Bandgeschichte. Alle veröffentlichten Singles sind auf dem Album zu finden. Weiterhin gibt es noch verschiedene Remix-Versionen und einen unveröffentlichten Track vom Album „Plastic Beach.“

Ob die Band weiterhin bestehen wird ist nicht sicher. Auf Twitter finden sich von Murdoc zwei Tweets dazu, was „T.E.N.“, dem 10 jährigen Bandbestehen meinen könnte: „The End is Nigh“ oder „This Era’s New.“

Ursprünglich wollte Sänger Lauri Ylönen, vielen wohl eher bekannt als Frontmann von „The Rasmus“, die Arbeit an einem neuen Album der Band beginnen. Zunächst läuft alles genauso wie  auch bei den anderen Alben der Band, Lauri trifft sich mit Gitarrist Pauli Rantasalmi und schreibt ein paar Songs.

Zusammen erstellen sie dann erste Demoversionen der Songs, müssen dabei allerdings feststellen, dass diese nicht 100%ig nach “The Rasmus” klingen. Auch nachträglich eingesetzte Gitarrenriffs können an dieser Tatsache nicht viel ändern. Die Ideen, die bereits umgesetzt worden waren sollten aber auch nicht verkommen, weshalb der Sänger sie als Grundlage für sein Soloalbum nimmt. Die Entwicklung des Albums geht von da an sehr stark in die Richtung der elektronischen Musik, weshalb es komplett auf den Klang von Gitarren verzichtet.

Lauri Ylönen veröffentlicht seine eigene neue Welt

Im März 2011 wird das Album „New World“ in Finnland veröffentlicht und steigt sofort auf Platz 2 der finnischen Charts ein. Mit der ersten veröffentlichten Single „Heavy“ ist er bei zahlreichen Veranstaltungen und Fernsehsendungen zu Gast. Ein halbes Jahr später wird die CD im September auch bei uns in Deutschland veröffentlicht. Im Rahmen der „Popkomm“ stellt Lauri sein Soloalbum bei der „Nordic Night“ in Berlin vor.

Radiotaugliche elektronische Klänge

Dem Publikum scheinen die Klänge, die so anders klingen als das was man bisher von Lauri gewohnt ist, dennoch zu gefallen. Die Singles „Heavy“ und „In the City“ haben jedenfalls das Potential zu echten Ohrwürmern.

Mitte November ist bei uns bereits eine Special Edition von „New World“ mit acht Remixen im Gepäck erschienen, die das Herz eines jeden Elektro-Pop Fans höher schlagen lassen dürfte.

Die Anhänger des typischen Finnenrocks brauchen sich aber keine Sorgen zu machen, „The Rasmus“ haben die Arbeiten an ihrem neuen Studioalbum mittlerweile fast abgeschlossen. Auf Dauer kommt der Musiker dann wohl doch nicht ohne Gitarre aus.